Die Dokumentation von Velvet Underground nimmt der Band ihre jüdischen Wurzeln, ist aber trotzdem cool

NEW YORK – Ich stimme der Subjektivität der Beurteilung von Kunst zu, aber es gibt Dinge, die man nicht ignorieren kann. Hier ein Beispiel: Velvet Underground ist die coolste Rockband aller Zeiten. Vielleicht kann ein israelisches Start-up ein Gerät entwickeln, das die Wahrheit dieser Behauptung wissenschaftlich beweist, aber bis dahin müssen Sie einfach nehmen, was mir gesagt wird.

Der Fall ist seit Mitte der 1960er Jahre glasklar, und falls Sie nicht aufgepasst haben, gibt es einen spektakulären neuen Dokumentarfilm von Regisseur Todd Haynes, der nur darauf wartet, Ihnen Licht ins Dunkel zu bringen. Es heißt „The Velvet Underground“ und wird seit dem 15. Oktober auf Apple TV+ gestreamt.

Lassen Sie uns klar sein: Dies ist nicht die beste Gruppe. Der Sänger hat einen Tonumfang von etwa drei Tönen, die Musikalität ist nicht allzu nuanciert, und die Texte sind zwar durchaus transgressiv, schöpfen ihre Kraft aber eher aus Gewalt als aus Witz. Aber die Band um den verstorbenen Lou Reed (geb. Lewis Allan Reed, Nachkomme von Rabinowitz) ist nicht nur ein Beispiel für „richtiger Ort, richtige Zeit“ – sie hilft dabei, Ort und Zeit zu schaffen.

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Der Ort war New York City und die Ära waren die 60er Jahre, bevor sie zu den „60er Jahren“ wurden. Die Hauptfigur ist Reed, ein armer Vorstadtjunge, dessen jüdische Eltern versuchen, seine „homosexuellen Neigungen“ durch Elektroschockbehandlungen aus seinem Körper auszurotten. (Reeds Schwester unterstützte in einem Interview die Entscheidung nicht vollständig, sondern verteidigte ihre Eltern mit der „Das ist der Tag“-Unwahrheit. Reed zog von Long Island nach Manhattan in der Hoffnung, ein Rockstar zu werden, und arbeitete schließlich als Songwriter für ein billiges Plattenlabel, auf der Suche nach „Lärm“ und Kuriositäten wie „The Ostrich“. Aber drinnen gibt es einen dunklen Poeten, der raus will.

Durch Zufall lernt sie John Cale kennen, einen jungen walisischen Musiker mit klassischer Musikausbildung, der sich nach seiner Ankunft in Manhattan in sehr avantgardistischen Kreisen bewegt. Cale lebte in dem mittlerweile legendären Gebäude an der Lower East Side, das voller Filmemacher, Künstler und radikaler Denker war, und begann, mit Atonalitäten, Klangtexturen und einer umfassenden Nutzung von Zeit zu experimentieren. Haynes zeigt, wie diese beiden Männer zusammen mit einem anderen Gitarristen namens Sterling Morrison und einer Schlagzeugerin namens Maureen Tucker Cales extremen Radikalismus mit Reeds Rock’n’Roll-Attitüde und seinen dunklen Tendenzen verbanden.

Aber das entscheidende Element fehlt. Es kam durch die jüdische Underground-Filmkünstlerin Barbara Rubin, die eine hervorragende Verbindung zwischen der Band und Andy Warhol herstellte. Warhol war bereits eine Pop-Art-Sensation, die sich im Filmemachen versucht hatte, aber er erkannte schnell, dass ein Musikgeschäft perfekt in sein Universum passen würde. The Velvet Underground wird, wenn ich so sagen darf, das Hausorchester der Szene sein, das bei Multimedia-Events auftritt, die Musik, Kino, Kunst, Mode, Prominente, verrückte Beleuchtung, bewusstseinsverändernde Drogen, verrückte Haarschnitte und alles mischen ., die wir damit assoziieren. Geist der Zeit.

Filmemacher Todd Haynes beim Tribeca Film Festival 2009 (CC BY 3.0/David Shankbone)

Der Regisseur des Dokumentarfilms, Todd Haynes (ein Jude), ist bekannt für seine witzigen Erzählfilme wie „Far From Heaven“, „Carol“ und (Rock’n’Roll treffend) „Velvet Goldmine“, inspiriert von Dylan, Iggy Pop und Oscar Wilde und „I’m Not There“, ein biografischer Film von Bob-Dylan.

Es enthüllt Warhols „Factory“-Archiv mit großartiger Kunst und kontextualisiert Bilder, die wir schon oft an langweiligen Orten wie dem öffentlichen Fernsehen gesehen haben. Neben der Verwendung eines geteilten Bildschirms wie bei Warhol bildet Haynes eine Sequenz, um die Idee zu betonen, dass die heutige Rebellion ein erhebliches persönliches Risiko beinhaltet. Das Abhängen in Schwulenbars könnte für Menschen in der heterosexuellen Welt den wirtschaftlichen Ruin bedeuten, aber es gibt eine Alternative, die diese Anonymität in Frage stellt. Und mit der aggressiven Musik von Velvet auf dem Soundtrack ist die unverhohlene Rebellion unglaublich energisch.

Der Film folgt Velvets Aufnahmejahren, einschließlich ihres Albums „The Velvet Underground & Nico“ von 1967 (mit der berühmten Bananenschale auf dem Cover) und der von Amphetaminen inspirierten Fortsetzung „White Light/White Heat“. Reed stieß mit Warhol, dann mit Cale zusammen und organisierte die Gruppe schließlich zu einer etwas freundlicheren Version. (Einige der VU-Songs, die im Radio gespielt wurden, wie „Pale Blue Eyes“ und „Sweet Jane“, stammen aus dieser letzten Ära.) Schließlich verließ Reed die Band, und obwohl es länger dauert, die Geschichte zu erzählen, ist das so wo der Film endet.

Obwohl Reed und andere sowohl in den Archiven als auch in neuen Interviewaufnahmen aus dem Film jüdisch sind, gibt es keinen einzigen Hinweis auf diese Tatsache. Ich kann mir nicht vorstellen, dass die Frage damals jemals gestellt wurde – besonders als Warhol Velvet Underground mit dem großen deutschen blonden Sänger Nico in Verbindung brachte – aber aus irgendeinem Grund blieb sie unbeantwortet. Ich meine, wenn du so cool wie Velvet Underground bist, bist du zu cool, um irgendein Label zu tragen, aber ich finde es seltsam, dass ein Neuling diesen Dokumentarfilm sehen und gehen könnte, ohne Reeds ethnische Identität zu kennen. (Obwohl weit davon entfernt, religiös zu sein, schrieb Reed später Lieder mit jüdischen Themen und reiste nach Israel). Einerseits wäre es wirklich cool, die Leute wissen zu lassen, dass er Mitglied der Community ist. Andererseits ist der Film ehrlich und zeigt, dass er manchmal egoistisch und ein bisschen kriminell ist. Vielleicht ist es besser, nicht zu viel Werbung zu machen?

Was uns jedoch bleibt, ist das Gefühl, dass eine transformative Kunstbewegung wie diese wahrscheinlich nicht auf die gleiche Weise repliziert werden wird.

Wie die Factory-Besucherin und Kritikerin Amy Taubin betont, ist „Zeit“ eine der Hauptzutaten. In einer Welt, in der die Aufmerksamkeitsspanne selten Tweets überschreitet und in der die Technologie virtuelle Interaktionen ermöglicht hat, verbringen wir unsere Tage damit, einfach abzuhängen.

Vielleicht inspirieren die Bilder in diesem Dokumentarfilm – all die coolen Haarschnitte, bezaubernden Charaktere und rauen Texte – einige junge Leute dazu, mit dem Spielen von Videospielen aufzuhören und mit dem Schaffen von Kunst zu beginnen!

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Rafael Frei

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