Sankofa zeigt einen Vogel, der im Flug den Kopf zurückdreht und auf seine Federn starrt, aus denen er ein wertvolles Ei absondert. Das Symbol steht im Zusammenhang mit dem Sprichwort, dass es nicht falsch ist, in die Vergangenheit zu reisen, um das, was sich darin verbirgt und was wir vergessen haben, zu nutzen, um eine bessere Zukunft aufzubauen.

Als 1991 in Manhattan, New York, die Gräber befreiter und versklavter Afrikaner entdeckt wurden, die größtenteils aus dem 18. Tradition sankofa sehr gut darin, kulturellen Transfer zu zeigen Schwarzer Atlantikwie der Soziologe Paul Gilroy die Route zwischen der Westküste Afrikas und Amerika nennt.

Typisch für die Hip-Hop-Kultur ist aber auch die Inspiration der Vergangenheit, die nicht in einen verunsicherten nostalgischen Wutanfall für ein besseres Gestern umschlägt, geboren bei der Veröffentlichung von Soul- oder Funk-Platten in schwarzen New Yorker Underground-Clubs. Ghettos in den 1970er Jahren. Bestehendes zu komponieren und zusammenzukleben, um Collagen und Mischungen aus unerwarteten, interessanten oder einfach ungewöhnlichen Klängen zu schaffen, war der Beginn der Praxis des Samplings und Beat-Makings, wobei die ersten Rapper dann begannen, ihre Aussagen über das Leben ohne vielversprechende Aussichten zu lesen. .

Während Rap heute zumindest das beliebteste Genre im Westen ist, ist es nicht das einzige Beispiel dafür, dass Musik, die in den vergangenen Jahrhunderten in der afrikanischen Diaspora verwurzelt war, zwangsweise in die Zentren der euro-atlantischen Zivilisation transferiert wurde.

Das Buch erzählt von der Geschichte und einem Teil der Präsenz von Musikern, insbesondere von Afroamerikanern Feuer Musik. Radikale schwarze Musik, von Jazz bis Hip Hop und darüber hinaus. Das erste von einem Musikpublizisten Karl Wesel2010 unter dem inzwischen aufgelösten Hip-Hop-Label BiggBoss erschienen, ist nun in einer zweiten Zusatzausgabe bei Paseka erschienen.

Wenn wir über die Ursprünge populärer Musik sprechen, denken wir oft zuerst an Elvis Presley oder die Beatles. Sicher, das sind wichtige Namen in der Geschichte, wie die Musikindustrie das wichtigste Marktsegment in der jungen Bevölkerung gefunden hat, aber ohne Musik von Grund auf, ohne Blues, der auf den mündlichen Überlieferungen der afrikanischen Diaspora basiert, und ohne Jazz mit seinen Subversive, würde es nichts wie Pop geben, zumindest nicht in der Form, die wir kennen.

Es ist mehr oder weniger bekannt, dass die ersten Sterne wie Presley auf schwarzen Mustern basierten. Gleichzeitig ist das Muster in den meisten Fällen ähnlich – weiße Darsteller werden von der Musik aus den Regalen der als rassistisch motiviert gekennzeichneten Geschäfte „inspiriert“ und erhalten selbst stehende Ovationen und materielle Zuwendungen für diese Arbeit.

Was nicht mehr so ​​klar ist, ist die Dialektik, die sich durch das Vesel-Buch schlängelt. Als es im Laufe der Zeit nicht mehr nötig war, schwarzer Musik ein weißes Gesicht zu geben, um für vorstädtische amerikanische Hörer verdaulich und sicher zu sein, war es notwendig, sie zumindest den fast allmächtigen Gesetzen der Hügel der „weißen Musik“ zu unterwerfen von frühem Jazz über Soul bis hin zu Hip-Hop.“ hop verlockenden EDM, haben Plattenfirmen einen Weg gefunden, das Subversive zu kratzen, das in all diesen Genres existiert, und alle scharfen Kanten, die auf die Mehrheit abzielen.

Kein Geringerer als Michael Jackson diente Vesel als Vorbild, dessen Hautbleichung letztlich ein symbolischer Ausdruck der Regeltreue war, errichtet aus Gleichgültigkeit gegenüber den Menschen, in denen der Sänger aufwuchs. Gleichzeitig ist Jackson ein Symbol für die zwei Perioden der Beziehung Amerikas mit seinem schwarzen Gewissen in Form von Millionen Nachkommen von Millionen Sklaven – als er als Kind in einer Familienbande begann, Afroamerikaner als ewige Kinder zu verstehen. diejenigen, die Führung durch die Zivilisierteren brauchen, verblassen langsam. Auf dem Höhepunkt seiner Karriere in den 1980er Jahren kehrte Jackson zu Reagans amerikanischer neoliberaler Ideologie zurück, in der angenommen wurde, dass „allgemeiner Wohlstand alle Rassenprobleme auslöschen würde“.

Dualität und ständiger innerer Konflikt auf der Ebene der Individualität und der gesamten Gemeinschaft in Bezug auf unterdrückerische Mehrheitsgesellschaften scheinen die Geschichte der Afroamerikaner und ihrer Musik zu sein. Anfang des zwanzigsten Jahrhunderts schrieb der Soziologe WEB Du Bois über ihn als das doppelte Bewusstsein eines schwarzen Amerikaners, der sich ständig mit den Augen anderer sehen musste, Augen, die den Plantagenaufseher repräsentierten.

„Jackson erscheint uns als ein weiteres Opfer von Amerikas andauerndem Rassenkrieg – als ein weiterer Nigger, der verrückt geworden ist, weil ihm ein Spiegel sagt, dass sein Gesicht nicht den nordischen Schönheitsidealen entspricht“, zitiert Gregory Tate den fröhlichen Kritiker. Denn schon in den 1960er Jahren gab es innerhalb der Menschenrechtsbewegung Konflikte darüber, inwieweit sie sich den von Minderheiten bewusst missbilligten Regeln des Spielplatzes anpassten und annäherten. Dieser Streit repräsentiert auch die radikaleren Persönlichkeiten von Malcolm X und dem einvernehmlicheren Martin Luther King, der schließlich mit ähnlichen Todesfällen aus der Welt ging.

Aufzeichnung der im Buch beschriebenen Branchenpraktiken Feuer Musik sie mögen an den allgemeinen Kampf um die Emanzipation von Minderheiten auf amerikanischem Boden erinnern, der im afrofuturistischen Denken in einer zyklischen Zeitspirale wiederkehrt. Musikfirmen ersticken nach und nach die subversiven Flammen, die in jeder neuen radikalen Musik schlummern, so wie in der amerikanischen Geschichte jede Verweigerung von Rechten und Freiheiten gegenüber Minderheiten aus dem konservativen Amerika stammt (auf die Abschaffung der Sklaverei folgte Jim Crows südliches Segregationsgesetz, das Obama ersetzte bei Trump).

Am Ende kann man sich die Frage stellen, inwiefern sich die Schallrevolution tatsächlich von der gesamtgesellschaftlichen Revolution unterscheidet, die ihre Schöpfer meist auch enttäuscht und verschlingt.

Infolge der breiteren Ausarbeitung des Dekolonisierungsdenkens und der Reflexion des systemischen Rassismus hat sich die gesamte Debatte heute weiter verschoben, und die Popmusik, die ihre schwarzen Wurzeln nicht leugnen kann, spielt dabei eine Rolle.

Gleichzeitig reißt das Internet die Grenzen ein, die Musiker in Verhandlungen mit Platten- und Verlagshäusern überwinden müssen. Die politische Ökonomie der Musikindustrie hat sich zu einem anderen Schwerpunkt verschoben – Streaming-Plattformen. Stimmen, die zuvor verstummt waren, können heute etwas besser gehört werden.

In dem Buch versäumt Veselý nicht, den Einfluss des technologischen Fortschritts auf die Musikproduktion und ihre Demokratisierung zu erwähnen. Gleichzeitig haben schwarze Einwohner traditionell einen eingeschränkteren Zugang zu wissenschaftlichen und technologischen Errungenschaften (und misstrauen deren Verwendung als Werkzeuge von der Mehrheit), und daher werden oft einige Selbsthilfe-Tools und andere Tools verwendet. verwendet, was oft seiner ursprünglichen Bedeutung widerspricht. Es ist diese Verzögerung beim Einsatz von Technologie, die es ermöglicht, über die Zukunft außerhalb der durch politische oder wirtschaftliche Kräfte eingeschränkten Rahmenbedingungen nachzudenken.

Feuer Musik es muss also nicht nur wegen der lang verkauften Fracht, sondern auch wegen der vielen Veränderungen, die sich im Laufe der Jahre im Bereich der schwarzen Musik ergeben haben, wieder in Umlauf gebracht werden. Eine Generation von Soundcloud-Rappern ist hinzugekommen, Frauen wie Megan Thee Stallion haben begonnen, in das Genre einzudringen, radikaler Jazz, vertreten durch den Saxophonisten Kamasim Washington oder die Gruppe Sons of Kemet, erlebt eine Renaissance, und vom Hip-Hop inspirierte Musik aus Südamerika oder Südkorea dominiert regelmäßig die charts weltlied.

„Free your mind and your ass will unite“, singt die Pionierband Funkadelic in ihrem Song von 1970. Aufgeklärt ist pure Rationalität.

Ebenso können homogen getrennte Kulturen nicht berücksichtigt werden. Der Austausch, beispielsweise „nur“ musikalischer Einflüsse, ist so spontan, dass es notwendig ist, die hybride Natur der globalen Gesellschaft zu berücksichtigen. Der Black Atlantic ist ein Beispiel für eine solche Begegnung. Breit, ehrlich und gut geschrieben Feuer Musik ist ein guter Zugang zu einer solchen Welt.

Man könnte sich fragen, warum die Musik der Nachkommen afrikanischer Sklaven praktisch mit populärer Musik identifiziert werden kann. In den 1990er Jahren formulierte der Autor Toni Morrison in einem oben erwähnten Interview mit Paul Gilroy die These, dass Sklaven die ersten modernen Menschen seien – sie seien aus Afrika entführt, ihrer Heimat entrissen und dann im Namen des industriellen Fortschritts geplündert worden. Diese Tatsachen führen sie in einen existenziellen Zustand der Heimatlosigkeit und Entmenschlichung, der typisch für den modernen Menschen ist.

Schließlich kam Veselý dazu, als er in einem der Black-Lives-Matter-Bewegung und dem Rap-Visionär Kendrick Lamar gewidmeten Kapitel schrieb: „Die Suche nach neuen (schwarzen) Männern, die die Widersprüche der Moderne überwinden, geht in der Musik des 21. Jahrhunderts weiter. Wer sonst muss die Antwort finden als die Nachkommen des großen Menschenexperiments, das im 16. Jahrhundert begann? Und wer muss uns sonst noch versichern, dass ‚wir es schaffen, Mann‘? ”

Vielleicht sprechen deshalb der pochende Bass, der synkopierte Rhythmus, die rohen Rap-Texte oder der entmenschlichende metallische Techno-Sound Menschen auf der ganzen Welt an. Modernität könnte nicht besser klingen.

Der Autor ist Musikpublizist.